Su génesis se remonta a hace más de 75 años, pero en la última década, el New York Fashion Week se ha convertido en otra cosa. Dependiendo de a quién se le pregunte, se ha convertido en la exposición comercial obsoleta para una industria que ha evolucionado más allá de ella.

Por Rebecca Jennings, Vox.com

Es posible que la Semana de la Moda de Nueva York llegara a su punto máximo a fines de la década de 1990, después de que Sex and the City trajera el glamour de las fiestas de moda de Nueva York a la televisión, o tal vez fuera en los excesos de mediados de la década del 2000, cuando la moda se convirtió en una empresa comercial cada vez más común para las celebridades, justo antes de la recesión que devastó la economía estadounidense.

Sin embargo, cada vez que se realiza NYFW, se deben litigar los mismos debates: ¿debería existir todavía la Semana de la Moda? ¿Para quién? Estas preguntas no son realmente acerca de si las fiestas son divertidas o si las tendencias son geniales. Se trata de si la estructura de New York Fashion Week es relevante para la forma en que la gente compra ropa hoy en día.

La historia de New York Fashion Week

Aunque sus orígenes se encuentran en las “Semanas de Prensa” que tuvieron lugar en Nueva York cada otoño y primavera a partir de 1943, en las que los editores acudían a los lujosos hoteles para ver las presentaciones de las últimas colecciones de diseñadores, la semana de la moda que hoy conocemos es un fenómeno relativamente joven.

Desde la década de 1940 hasta la década de los años 80, Nueva York, París, Londres y Milán se convirtieron en los “Cuatro Grandes”, los centros de moda más importantes del mundo, cada uno con su propia lista de espectáculos. El concepto de un evento de una semana de duración para que una ciudad promueva su industria de la moda ahora se ha extendido a nivel mundial.

Durante las semanas de la moda los desfiles ofrecían a los editores y compradores la oportunidad de obtener una vista previa de las colecciones y las tendencias más grandes que afectarían a los estantes de ropa en seis meses, lo que le daba tiempo a las revistas para planificar el contenido, y a los grandes almacenes y boutiques a tomar decisiones comerciales con mucha anticipación.

locchi-2_wp7_19626

Chloe-atm-F14-006

New York Fashion Week, como se vive ahora, no comenzó oficialmente sino hasta 1993, cuando Fern Mallis, entonces director ejecutivo del Consejo de Diseñadores de Moda de América, trató de centralizar en la ciudad el proceso disperso de editores y compradores que correteaban por varias pasarelas.

“Los espectáculos organizados pusieron a los diseñadores estadounidenses en el mapa y cambiaron el panorama de la moda para siempre”, dijo Mallis en 2015. Antes de eso, había 50 espectáculos en 50 ubicaciones. En 1994, el éxito de diseñadores estadounidenses como Calvin Klein y las celebridades que atrajeron a sus espectáculos (un muy joven Leonardo DiCaprio, por ejemplo) estableció a NYFW como un evento que debía cubrirse.

GettyImages-1029393532

Durante 16 años, “los shows”, como se llamaban, tuvieron lugar dentro de tiendas de campaña instaladas en el Bryant Park de Manhattan. Esto no solo liberó a los asistentes de tener que trasladarse de manera frenética de un lugar a otro, sino que también significó que los diseñadores ya no eran responsables de la carga de producir un desfile de modas desde cero: el espacio, la iluminación, el sonido y la seguridad estaban a cargo de una empresa de producción. Eso no quiere decir que fue barato: en 2007, un espectáculo en Bryant Park le costaba a los diseñadores alrededor de $50,000.

En 2010, el evento se había extendido más allá de los límites de un parque relativamente pequeño; en su apogeo, NYFW incluyó casi 300 espectáculos, y luego de años de desacuerdos entre la industria de la moda y la administración de Bryant Park durante su expansión, el evento se trasladó a tiendas de campaña dentro de las plazas del Lincoln Center.

La nueva ubicación, aunque un poco más alejada del Garment District de Nueva York, donde muchos diseñadores aun conservan sus estudios, tenía un 30 por ciento más de espacio y estaba equipada con una mejor tecnología para satisfacer las necesidades de un evento cada vez más digital. Un año más tarde, los diseñadores comenzaron a transmitir sus shows en YouTube con regularidad, para que incluso aquellos sin una invitación pudieran sintonizarlos.

Mientras tanto, otra industria estaba explotando lejos de las paredes de las tiendas: los blogs de estilo personal. En los años anteriores a Instagram, un puñado de genios de la moda bien vestidos (y con frecuencia adinerados) de todo el mundo, compartían fotos de sus atuendos en línea junto con publicaciones de blogs sobre la vida cotidiana. Entre 2004 y 2008, personas como Bryanboy y Tavi Gevinson empezaron a construir marcas con combinaciones de ropa extravagantes y escritura de voz coloquial.

Estos primeros influencers, que ganaron fama incluso antes de que el término se convirtiera en una elección de buena fe en su carrera, sembraron las semillas de una cuenta de la industria de la moda. Eran forasteros, amenazando el sistema tradicional en el que los editores de revistas tenían un poder casi absoluto para dirigir la opinión pública sobre las tendencias de la moda. “Tenían una gran conciencia de cómo la tecnología podría ayudarlos a atraer la atención de cientos de miles de fanáticos de la moda que habían sido excluidos de la conversación”, escribió el crítico Robin Givhan en 2014.

IMG_8659-1440x1800

new-york-fashion-week-street-style-fall-2019-277177-1549653185538-image.700x0c

Y mientras que la industria de la moda finalmente los adoptó, Marc Jacobs le dio a un bolso el nombre de Bryanboy en 2008, y la revista Lucky colocó a tres personas digitalmente influyentes en su portada “2015: La muerte de la semana de la moda.”

Hasta cierto punto, sus críticos tenían razón. Estas hordas de nativos digitales bien vestidos, eran adeptos para los fotógrafos de street style que esperaban afuera de los shows, creando así un espectáculo fuera de las tiendas que posiblemente era más grande que lo que estaba sucediendo dentro de ellas. Incluso cuando se sentaron, estos novatos a menudo difamados, no necesariamente se adhirieron a las reglas de la vieja escuela, es decir, no tomar fotos durante los shows. Cualquiera que los siguiera en línea tenía esencialmente el mismo acceso que ellos tenían.

En 2015, los espectáculos se iniciaron desde el Lincoln Center, a través de una demanda que determinó que el espacio donde se llevara a cabo el NYFW no podía utilizarse con fines comerciales. Pero incluso antes del asentamiento, muchos diseñadores ya estaban empezando a irse a otros espacios para eventos en la ciudad. Las marcas más importantes, como Alexander Wang, preferían alquilar enormes almacenes para exhibir desfiles de moda, mientras que los diseñadores emergentes experimentaron con presentaciones en salas de exposición íntimas, que parecían más aperturas de arte que desfiles de moda. La última estrategia también fue una buena manera de evitar el costo gigantesco de montar incluso el espectáculo de pista más básico, que en 2014 se estimó que costaría alrededor de $200,000.

Aunque la Semana de la Moda de Nueva York finalmente se trasladó a dos espacios de eventos separados, muchos de sus diseñadores decidieron organizar los shows por su cuenta y renunciar por completo al calendario de la semana de la moda tradicional. Esta progresiva descentralización, tanto física como temporal, ha contribuido a la disminución de la relevancia del evento.

¿Por qué la semana de la moda no es tan importante como solía ser?

No es que los organizadores y participantes de la semana de la moda no hayan estado esforzándose por mantenerla con vida: aparte de los precios, la alta moda está tan democratizada como siempre. Cualquier persona con acceso a Internet ahora puede ver casi cualquier programa de pasarela importante en el mundo en tiempo real, y los diseñadores se ven obligados a escuchar las opiniones de la gente promedio a través de las redes sociales. La diversidad racial entre los modelos todavía no es grande, pero ha mejorado en gran medida solo en los últimos tres años. Ya no es tan impactante ver, por ejemplo, a una mujer de talla 10 que camina por una pasarela, ni es inusual que un diseñador haga una declaración política progresista con su colección. Sin embargo, nada de esto ha sido suficiente.

La semana de la moda en su estructura actual ha perdido relevancia para la forma en que los compradores modernos compran cosas. El calendario de la moda tradicional, en el que se presenta una colección de prendas para el otoño el febrero anterior y la ropa de primavera que se muestra en septiembre, en realidad proviene del rey Luis XIV. En el siglo XVII, estableció a Francia como el centro de la industria textil de lujo al imponer un programa estacional en el que los nuevos textiles serían lanzados dos veces al año, como un medio para alentar a las personas a comprar más. Desde el principio, fue simplemente un buen marketing: la gente compró los últimos textiles porque eran nuevos, no porque realmente fueran necesarios.

Y cuando los desfiles de moda se parecían más a las ferias comerciales, donde se presentaban nuevas colecciones a un pequeño número de editores y compradores, que luego informaban sobre las tendencias futuras para los lectores o encargaban prendas para las tiendas, este sistema seguía cumpliendo su función. Pero ahora que las imágenes pueden extenderse por todo el mundo en un instante y el acto de comprar un vestido puede reducirse a unos tres toques en un teléfono, los seis meses que transcurren entre el lanzamiento de un atuendo y que una persona pueda comprarlo, se sienten ridículamente arcaicos.

En el 2016, los principales diseñadores como Burberry, Tom Ford y Tommy Hilfiger adoptaron una estrategia de “ver ahora comprar ahora”, en la que sus colecciones de pasarela estaban disponibles para comprar de inmediato. Pero para la mayoría de las marcas de ropa de mercado masivo, eso es solo negocios como de costumbre. Las mayores marcas de moda rápida como Asos, por ejemplo, pueden dar vuelta a colecciones completas en el lapso de unas pocas semanas.

Otro problema con el calendario de la moda tradicional es la forma en que obliga a los diseñadores a publicar cuatro o más colecciones completas al año, debilitando a los diseñadores de creatividad y creando una enorme carga financiera para las marcas. Además de las colecciones de primavera y otoño, hay temporadas intermedias como el resort y antes del otoño, que a veces también involucran espectáculos de pasarela o presentaciones en vivo.

new-york-fashion-week-winter-2019-img-schedule

Las empresas han encontrado el éxito creando escasez, generando zumbidos y eliminando colecciones limitadas o artículos individuales cuando lo deseen, en lugar de publicar colecciones en un horario regular. El más famoso de ellos es Supreme, la marca de moda urbana que, incluso después de 25 años, aún atrae gente haciendo filas que abarcan manzanas enteras de la ciudad, todos los jueves por la mañana. Esta marca no necesita una presencia en la semana de la moda para hacer eso.

Hay ejemplos de alto nivel (como la relación de la marca Opening Ceremony con el New York City Ballet) y extravagantes (como la diseñadora Rachel Antonoff convirtiendo una presentación de moda en una feria escolar de ciencias). Y luego hay presentaciones que simplemente existen en línea, como el “Insta-Show” de Misha Nonoo, donde el único espectáculo fue el que tuvo lugar en Instagram.

Al mismo tiempo, el sorteo de cubrir la semana de la moda para revistas y sitios web ha disminuido. Como la semana de la moda y los ciclos esenciales de la alta moda en general tienen menos relevancia para los hábitos de compra de los consumidores, no es sorprendente que los lectores no estén tan interesados en conocerlos.

Todo esto plantea la pregunta: ¿para quién es la semana de la moda?

Claro, para las marcas más pequeñas y prometedoras, la semana de la moda sigue siendo un evento publicitario que puede brindar grandes oportunidades de marketing.
Los asistentes ahora también pueden comprar boletos para espectáculos, que tradicionalmente habían sido solo por invitación, paquetes de ofertas llamadas “NYFW: The Experience”. Tal vez hacer que la semana de la moda sea más relevante significa hacer una nueva estructura, más como una conferencia, accesible para más personas y con una herramienta que signifique más allá de simplemente de comprar.